【MUSICO特別報導】法國男中音馬克・摹雍「領唱」台北室內合唱團，帶您聆聽四百年前的情感信息
2023.09.08｜採訪‧文／李育潔
每個時代的藝術家都在嘗試打破傳統、探索新的可能性。歷史上的音樂家透過一丁一點的突破，引領著後世開創出千變萬化的音樂。9月17日星期日下午及18日星期一晚間，台北室內合唱團將於國家兩廳院演奏廳舉辦《人聲新時代》音樂會，帶領臺灣觀眾體驗人聲藝術「自文藝復興過渡到巴洛克」細緻微妙的轉變。
《人聲新時代》音樂會標題的義大利文「Le Nuove Musiche」，如果照字面直接翻譯，意思為「新音樂」。十七世紀初，義大利作曲家卡契尼（Giulio Caccini, 1551-1618）在發表歌曲集時，將這個詞彙作為標題。卡契尼透過這部作品向世人介紹一種全新的演唱方式。他在引言裡清楚地描述到：「為了讓觀眾能完美地理解文本，我們必須利用各種技巧更精準地表達歌詞的情感。」此時期的音樂家受到古希臘悲劇啟發，追求更深刻的情感表達，進而開發出如同說話般的演唱風格，以表達人類的七情六慾。在《人聲新時代》音樂會中，台北室內合唱團特別邀請法國男中音馬克．摹雍（Marc Mauillon）來台指導、領唱並設計整套曲目，力求再現文藝復興晚期到巴洛克中期音樂精神的聆賞經驗。
▲從人聲重唱、室內合唱團到交響合唱團，台北室內合唱團均展現出高度藝術性。（圖｜台北室內合唱團提供、攝影：蔣皓任）
馬克為歐洲最頂尖的聲樂家之一，致力專研中世紀早期音樂，歐洲各大音樂院校爭相邀請其開班傳授中世紀、巴洛克及法國音樂風格等專題。自2018年起，他更開始在法國歷史悠久的索邦大學（Sorbonne Université）教授中世紀世俗音樂與詮釋。此次他為台北室內合唱團精心設計的曲目聚焦在義大利及法國上，在這場音樂會中，他們將合作演唱義大利作曲家蒙特威爾第（Claudio Monteverdi, 1567-1643）、傑蘇阿爾多（Carlo Gesualdo, 1566-1613）以及法國作曲家布埃塞特（Antoine Boësset, 1587-1643）和夏邦提耶（Marc-Antoine Charpentier, 1643-1704）的作品。
十六、十七世紀之交，藝術家們欲透過作品激起人類的各種情緒變化。因此，如何透過音樂傳遞歌詞的情感，成為作曲家創作的焦點之一。相較於文藝復興的作品，作曲家們在十七世紀初的合唱曲中，逐漸強調高音旋律以求能夠清楚聽到歌詞，以及加強低音聲部，讓音樂的和聲根基更加穩固。同時，許多過去使用變化音的規則也開始被打破。作曲家們大量使用不協和音，甚至為了強調歌詞的情感張力，拉長，並在強拍上使用不協和的音響。談及這種變化，馬克說：「這兩個時期的音樂寫法相當不同，因此我們關注的細節自然也不一樣。演唱時，我們需要對歌詞的情緒及色彩相當敏感，並藉由各種裝飾音巧妙地詮釋出不同的情感。」
比鄰而居的義大利和法國，絕對是歷史上最著名的「亦敵亦友」的國家之一。這兩國在各方面皆相互影響，同時又強烈地企望發展出與鄰國不一樣的風格。聊到這兩個國家，馬克說：「歷史上有許多法國的王后都來自義大利。每次這些王后從家鄉移居巴黎時，都會帶著一堆義大利藝術家同行。因此，法國藝術大量受到這些義大利人的啟發。」義、法語言的不同，自然也使得詩歌各自發展出獨特的風貌，馬克認為：「觀眾在聆聽時應該有辦法馬上發現其中的差異。義大利的歌曲更加熱情、外向；法國則比較細膩，甚至帶有一點疏離感。」
這場音樂會演唱曲目的四位作曲家，都對合唱音樂有著深遠的影響。對此，馬克也特別和樂迷朋友們分享了這四位作曲家的差異，他說：「蒙特威爾第是開發各種不協和音創作方式的天才之一，他的音樂理念非常現代，永遠改變了音樂的審美觀；傑蘇阿爾多則嘗試了另一種方法，他保留對位法的所有規則，但在作品中添加了大量的半音，讓樂曲充滿張力；布埃塞特是法國路易十三宮廷中最優秀的音樂家之一，他的作品呈現了整個法國十七世紀的精髓；夏邦提耶曾經去義大利留學，我們可以在他的作品中聽到法義兩種美學的結合，他的作品充滿感性和誘惑感。」
▲大鍵琴家阮秀慈（圖｜台北室內合唱團提供）
除了人聲，台北室內合唱團此次也將與大鍵琴家阮秀慈、維奧爾琴演奏家陳逸安合作演出。考量到不同樂器的音色，聲樂家往往需要在演唱時調整音色，使人聲和器樂搭配出和諧的效果。馬克說：「對我來說，古樂器能比現代樂器帶出更豐富的和聲。此外，古樂器的音量相對較小，因此人聲可以更深入探討最細微、最纖弱的聲音動態。」
▲維奧爾琴演奏家陳逸安（圖｜台北室內合唱團提供）
另外值得大家留意的是，古樂器和現代樂器在演奏的頻率上有著極大的差異。國際標準化組織（IOS）在1955年將中央C上方的A音定為440赫茲，使其成為所有樂器的頻率校正標準。放眼音樂史，不同時代及不同國家的人在聆賞音樂時，習慣的音高標準截然不同。而這也是當代演奏家在接觸古樂時，最初容易遇到的難題之一。對此，馬克說：「我們這次會以415赫茲表演。由於現代人習慣440赫茲，因此我想一開始排練時，團員們可能會有點不習慣。事實上，在四百年前，每個地方的音頻都不同，例如：蒙特威爾第的音樂應該以440至460赫茲演奏，同時期的法國則習慣392至400赫茲，因此，我認為415赫茲是適合我們的折衷方案。」相較於震動頻率較快、音色較明亮的440赫茲，415赫茲演奏出的音色較為放鬆而溫暖，令人更容易感受到古樸、純淨的氛圍。
二十一世紀的現在，各國的音樂復古運動仍方興日盛，甚至興起了所謂的音樂本真演奏（Authentic Performance）風潮，希望藉由考據音樂語法、形式、配器等，重現早期音樂的精神。然而，身處當代的我們，究竟為什麼要聆聽早期音樂？早期音樂的精神又是什麼呢？馬克認為：「對我來說，研究早期音樂代表了一種態度。我們持續在音樂學、技術上進行研究，並對聲音保持開放的態度。」現代人無法回到過去，因此無從得知這些音樂當年確切發出什麼聲音，而這也驅使著音樂家們繼續探究下去。馬克也說：「我們知道要真實重現過去的表演是不可能的。但我們共同夢想、想像這些聲音，並用二十一世紀的耳朵聆聽它們。但我一直相信，來自四百年前的情感信息是可以被今天的觀眾接收到的。這種共鳴能將人類聯繫起來，而這對我來說就是美的目的。」藝術家們將目光望向未來的同時，也看著過去種種珍貴的養分，以求在當下傳遞最美的語彙。
▲主圖 法國男中音馬克．摹雍受台北室內合唱團邀請，來台指導、領唱並設計整套曲目，力求再現文藝復興晚期到巴洛克中期音樂精神的聆賞經驗。（圖｜台北室內合唱團提供、攝影：INANIS）
每個時代的藝術家都在嘗試打破傳統、探索新的可能性。歷史上的音樂家透過一丁一點的突破，引領著後世開創出千變萬化的音樂。9月17日星期日下午及18日星期一晚間，台北室內合唱團將於國家兩廳院演奏廳舉辦《人聲新時代》音樂會，帶領臺灣觀眾體驗人聲藝術「自文藝復興過渡到巴洛克」細緻微妙的轉變。
《人聲新時代》音樂會標題的義大利文「Le Nuove Musiche」，如果照字面直接翻譯，意思為「新音樂」。十七世紀初，義大利作曲家卡契尼（Giulio Caccini, 1551-1618）在發表歌曲集時，將這個詞彙作為標題。卡契尼透過這部作品向世人介紹一種全新的演唱方式。他在引言裡清楚地描述到：「為了讓觀眾能完美地理解文本，我們必須利用各種技巧更精準地表達歌詞的情感。」此時期的音樂家受到古希臘悲劇啟發，追求更深刻的情感表達，進而開發出如同說話般的演唱風格，以表達人類的七情六慾。在《人聲新時代》音樂會中，台北室內合唱團特別邀請法國男中音馬克．摹雍（Marc Mauillon）來台指導、領唱並設計整套曲目，力求再現文藝復興晚期到巴洛克中期音樂精神的聆賞經驗。
▲從人聲重唱、室內合唱團到交響合唱團，台北室內合唱團均展現出高度藝術性。（圖｜台北室內合唱團提供、攝影：蔣皓任）
馬克為歐洲最頂尖的聲樂家之一，致力專研中世紀早期音樂，歐洲各大音樂院校爭相邀請其開班傳授中世紀、巴洛克及法國音樂風格等專題。自2018年起，他更開始在法國歷史悠久的索邦大學（Sorbonne Université）教授中世紀世俗音樂與詮釋。此次他為台北室內合唱團精心設計的曲目聚焦在義大利及法國上，在這場音樂會中，他們將合作演唱義大利作曲家蒙特威爾第（Claudio Monteverdi, 1567-1643）、傑蘇阿爾多（Carlo Gesualdo, 1566-1613）以及法國作曲家布埃塞特（Antoine Boësset, 1587-1643）和夏邦提耶（Marc-Antoine Charpentier, 1643-1704）的作品。
十六、十七世紀之交，藝術家們欲透過作品激起人類的各種情緒變化。因此，如何透過音樂傳遞歌詞的情感，成為作曲家創作的焦點之一。相較於文藝復興的作品，作曲家們在十七世紀初的合唱曲中，逐漸強調高音旋律以求能夠清楚聽到歌詞，以及加強低音聲部，讓音樂的和聲根基更加穩固。同時，許多過去使用變化音的規則也開始被打破。作曲家們大量使用不協和音，甚至為了強調歌詞的情感張力，拉長，並在強拍上使用不協和的音響。談及這種變化，馬克說：「這兩個時期的音樂寫法相當不同，因此我們關注的細節自然也不一樣。演唱時，我們需要對歌詞的情緒及色彩相當敏感，並藉由各種裝飾音巧妙地詮釋出不同的情感。」
比鄰而居的義大利和法國，絕對是歷史上最著名的「亦敵亦友」的國家之一。這兩國在各方面皆相互影響，同時又強烈地企望發展出與鄰國不一樣的風格。聊到這兩個國家，馬克說：「歷史上有許多法國的王后都來自義大利。每次這些王后從家鄉移居巴黎時，都會帶著一堆義大利藝術家同行。因此，法國藝術大量受到這些義大利人的啟發。」義、法語言的不同，自然也使得詩歌各自發展出獨特的風貌，馬克認為：「觀眾在聆聽時應該有辦法馬上發現其中的差異。義大利的歌曲更加熱情、外向；法國則比較細膩，甚至帶有一點疏離感。」
這場音樂會演唱曲目的四位作曲家，都對合唱音樂有著深遠的影響。對此，馬克也特別和樂迷朋友們分享了這四位作曲家的差異，他說：「蒙特威爾第是開發各種不協和音創作方式的天才之一，他的音樂理念非常現代，永遠改變了音樂的審美觀；傑蘇阿爾多則嘗試了另一種方法，他保留對位法的所有規則，但在作品中添加了大量的半音，讓樂曲充滿張力；布埃塞特是法國路易十三宮廷中最優秀的音樂家之一，他的作品呈現了整個法國十七世紀的精髓；夏邦提耶曾經去義大利留學，我們可以在他的作品中聽到法義兩種美學的結合，他的作品充滿感性和誘惑感。」
▲大鍵琴家阮秀慈（圖｜台北室內合唱團提供）
除了人聲，台北室內合唱團此次也將與大鍵琴家阮秀慈、維奧爾琴演奏家陳逸安合作演出。考量到不同樂器的音色，聲樂家往往需要在演唱時調整音色，使人聲和器樂搭配出和諧的效果。馬克說：「對我來說，古樂器能比現代樂器帶出更豐富的和聲。此外，古樂器的音量相對較小，因此人聲可以更深入探討最細微、最纖弱的聲音動態。」
▲維奧爾琴演奏家陳逸安（圖｜台北室內合唱團提供）
另外值得大家留意的是，古樂器和現代樂器在演奏的頻率上有著極大的差異。國際標準化組織（IOS）在1955年將中央C上方的A音定為440赫茲，使其成為所有樂器的頻率校正標準。放眼音樂史，不同時代及不同國家的人在聆賞音樂時，習慣的音高標準截然不同。而這也是當代演奏家在接觸古樂時，最初容易遇到的難題之一。對此，馬克說：「我們這次會以415赫茲表演。由於現代人習慣440赫茲，因此我想一開始排練時，團員們可能會有點不習慣。事實上，在四百年前，每個地方的音頻都不同，例如：蒙特威爾第的音樂應該以440至460赫茲演奏，同時期的法國則習慣392至400赫茲，因此，我認為415赫茲是適合我們的折衷方案。」相較於震動頻率較快、音色較明亮的440赫茲，415赫茲演奏出的音色較為放鬆而溫暖，令人更容易感受到古樸、純淨的氛圍。
二十一世紀的現在，各國的音樂復古運動仍方興日盛，甚至興起了所謂的音樂本真演奏（Authentic Performance）風潮，希望藉由考據音樂語法、形式、配器等，重現早期音樂的精神。然而，身處當代的我們，究竟為什麼要聆聽早期音樂？早期音樂的精神又是什麼呢？馬克認為：「對我來說，研究早期音樂代表了一種態度。我們持續在音樂學、技術上進行研究，並對聲音保持開放的態度。」現代人無法回到過去，因此無從得知這些音樂當年確切發出什麼聲音，而這也驅使著音樂家們繼續探究下去。馬克也說：「我們知道要真實重現過去的表演是不可能的。但我們共同夢想、想像這些聲音，並用二十一世紀的耳朵聆聽它們。但我一直相信，來自四百年前的情感信息是可以被今天的觀眾接收到的。這種共鳴能將人類聯繫起來，而這對我來說就是美的目的。」藝術家們將目光望向未來的同時，也看著過去種種珍貴的養分，以求在當下傳遞最美的語彙。
▲主圖 法國男中音馬克．摹雍受台北室內合唱團邀請，來台指導、領唱並設計整套曲目，力求再現文藝復興晚期到巴洛克中期音樂精神的聆賞經驗。（圖｜台北室內合唱團提供、攝影：INANIS）
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