〔樂曲解說〕《伊萱與朋友們》系列音樂會——〈唱吧！沒有明天的唱吧！〉
文／邢子青（資深古典音樂媒體人）
除了音樂性格的迥異之外，在樂章架構上，這部作品不同於傳統的快-慢-快三樂章形式，莫札特僅使用了兩個樂章。第二樂章標示為「小步舞曲速度(Tempo di Menuetto)」，相對於前一個樂章，不只速度緩慢了下來，而且還兼具「以舞曲結束樂曲」的傳統，只不過莫札特採用小調(minor)包裝，卻不像傳統小步舞曲的優雅與悠閒。樂章一開始由鋼琴彈奏的旋律，雖然晶瑩剔透，但是仔細咀嚼，卻流露著淡淡的感傷色彩，這樣的情緒在小提琴加入之後更加明顯。樂曲中段轉為甜美的大調(major)，彷彿撥雲見日的明朗，隨後又轉回樂章開頭的氛圍，結尾則是以稍微激昂的情緒，為整部作品畫下句點。
史博在1837年為女高音、單簧管、鋼琴所做的《六首歌曲，作品103》，被視為他在藝術歌曲領域的極致傑作。除了傳統的鋼琴編制之外，史博還加入單簧管助陣，不論是音樂情境烘托，或是獨當一面，都有精彩亮點。
第一首歌曲《冷靜吧，我的心》出自德國詩人史懷哲(Carl Friedrich Ernst Georg von Schweitzer, 1797-1847)，樂曲開頭的單簧管吹奏瞬間凝聚了濃厚的戲劇張力，歌詞則是展現了歷經人生波折的詩人對於生命的感慨，即便他期待希望帶來一絲光彩和歡樂，但終究這只是一廂情願的想法，「冷靜吧，我的心」…
第二首《二重唱》取材自德國詩人兼畫家萊尼克(Robert Reinick, 1805-1852)，歌詞敘述在某個寧靜的五月夜晚裡，小鳥在丁香樹枝頭歌唱，少女坐在樹下，時而傾聽，時而唱和，小鳥歌頌著春天的陽光，少女則是唱著愛情的嚮往。史博驅使著單簧管奏出鳥兒啁啾般的啼聲，鋼琴波動般的旋律像是徐徐晚風，女高音的歌聲則是唱出平靜、安詳。
第三首《渴望》，出自德國詩人兼劇作家蓋貝爾(Emanuel Geibel, 1815-1884)，原作表達了渴望突破現實生活的桎梏，但事與願違，「世界多麼地廣闊，日子卻是這麼地侷促，然而時間卻不等人……我如何到達我所嚮往的異域國度！」一開場由單簧管吹出寬廣的音域，彷彿拉開了視野，隨後引出鋼琴烘托的熱切歌聲，乍聽之下似乎悠閒，但仔細咀嚼，卻有著淡淡的悵然！
第四首引用了法勒斯雷本(August Heinrich Hoffmann von Fallersleben, 1798-1874)的《搖籃曲》，單簧管的吹奏，搭配溫柔的歌聲與琴音，就像是媽媽溫暖的呵護。相較之下，根據寇赫(Ernst Koch, 1808-1858)詩篇所作的第五首歌曲《秘密的歌》，單簧管的前奏營造了感傷氣氛，似乎隱藏在內心的苦痛難以言喻，但歌曲後半情緒一轉，詩人期待愛情能撫慰一切傷痛，明亮的音色展現了渴望的心情。
最後一首歌曲《醒來吧》，原詩作者不詳，但標題卻相當吸引人。「愛情已經甦醒，你為何還呆呆地站在那裡，陷入沉思？」在鋼琴的三拍子輕快節奏烘托下，單簧管奏出歡愉的前奏，隨後和女高音的互動，時而像是二重唱，時而裝飾著亮麗的歌聲。
布列頓一生創作多元，尤其他對詩詞文學具有高敏銳度，他留下的歌曲作品就可以印證這一點。1937年，他以英國詩人奧登(Wystan Hugh Auden, 1907-1973)的詩篇為題材，寫下了《在這島上》歌曲集，其中包括五首歌曲，各有韻味：
第一首《讓華美的音樂頌讚！》(Let the florid music praise!)，開場華麗的鋼琴琶音，加上花腔裝飾的聲樂演唱，讓人聯想到十八世紀的巴洛克氛圍。歌曲後半轉為音樂情緒較為黯淡的「西西里舞曲」風味，形成強烈對比。
第二首《如今樹葉急速凋落》(Now the leaves are falling fast)，鋼琴前奏帶著點迷惘，隨後以規律節奏引領歌聲上場。乍聽之下，音樂似乎充滿了抖擻精神，但是搭上奧登的詩篇之後，也許你會覺得有點…毛骨悚然！這段詩篇展現的是對於二十世紀初動盪局勢的不安心境，死亡的氛圍則是呼應了戰爭帶來的殘酷。
第三首《海景》(Seascape)，這首歌曲彷彿帶著我們透過想像力和聽覺，一覽變化萬千的海景。隨著奧登的詩篇敘述，鋼琴與歌聲時而表現出海風吹拂、水波蕩漾，時而描述了船隻搖曳的情景。最後一句歌詞「整個夏天在水中漫步」則是巧妙地點出了愜意的海邊悠閒時光。
第四首《夜曲》(Nocturne)，在奧登的筆下，把無形的時間轉移，藉著特定的人事物描述給具體化了。在鋼琴沉穩、規律的烘托之下，歌聲唱出了寂靜、神秘的氛圍，布列頓結合詩篇與音樂，帶著我們進入虛虛實實的情境裡，「看見」時間的流動…...
最後的《就這樣，足夠了》(As it is, plenty)是一首爵士風味的歌曲，以旁觀角度帶著我們看人生、工作、愛情、慾望，不論是奧登的詩篇或是布列頓的音樂，多少有那麼點警世意味，只不過是以俏皮手法呈現。
其實，不論學術界與樂評界抱持什麼樣的觀點，拉赫瑪尼諾夫的音樂創作，在今天的確獲得了大多數愛樂者與演奏家們的喜愛，只要我們從當今世界各地音樂會的曲目安排、還有唱片錄音版本的數量來看，就足以證明這位俄國作曲家的受歡迎程度。
一般人對於這位作曲家的認識大多是來自他的鋼琴作品，事實上他在聲樂作品方面也留下不少創作，最膾炙人口的，竟然是來自一首沒有歌詞的歌曲，那就是他的《無言歌》(Vocalise)。正確地來說，這首歌曲的原本名稱叫做《聲樂練習曲》，選自他在1912年創作的一組歌曲集《浪漫曲》(Romances)作品編號34，其中包括十四首歌曲，最後一首最特別，從頭到尾沒有一句歌詞，只是由演唱者以母音「A」來歌唱，也因為整首歌曲沒有歌詞，所以也被稱為《無言歌》，其中考驗了獨唱者對於呼吸與音樂線條的掌握能力。
除了原本的女高音演唱版本之外，作曲家也曾經親自改編為管弦樂演奏版本，之後還陸續有不同樂器的演奏版，包括小提琴、大提琴、低音提琴、長笛、單簧管、法國號、鋼琴、豎琴、以及合唱團、甚至假聲男高音的演唱等。不論是以哪種樂器來呈現，相同的是：甜美、抒情、撫慰人心的旋律。在這場音樂會裡，透過小提琴與鋼琴的合奏，您絕對會有深刻體會！
第一首來自亞美尼亞詩人伊薩基揚(Avetik Isaakian, 1875-1957)的《夜裡，在我的花園裡》，主角是一棵柳樹，詩人以「擬人化」手法描述柳樹低垂的枝條在夜晚的花園裡獨自悲泣，直到猶如溫柔少女的黎明來臨時，將會以細柔長髮抹去柳枝上的淚珠。短短兩分鐘的歌曲裡，拉赫瑪尼諾夫以鋼琴前奏帶出憂傷氣氛，中間雖然出現短暫的激昂情緒，最後還是在綿綿不斷的感傷情緒中結束。
第二首出自俄國作家貝利(Andrei Belïy, 1880-1934)的《給她》，在傍晚時分孤獨思念愛人的苦澀心情表達得淋漓盡致。拉赫瑪尼諾夫典型的多愁善感性格，在這首歌曲裡有著充分發揮。
第三首《雛菊》，出自俄國詩人瑟維里亞寧(Igor Severyanin, 1887-1941)，藉著遍地如白色絲綢般的雛菊，表達了對姑娘的熱愛之情。拉赫瑪尼諾夫以晶瑩剔透般的鋼琴烘托著歌聲，營造了浪漫憧憬的氛圍。
第四首來自俄國詩人布流索夫(Valery Bryusov, 1873-1924)的《花衣服的吹笛手》，這是這套作品裡最俏皮的歌曲，拉赫瑪尼諾夫藉著輕盈躍動的鋼琴彈奏、加上愉悅的歌聲，敘述一位吹笛人沿著河畔，踏著輕快步伐，前去和心愛的女孩相會。
第五首《夢》，取材自俄國詩人索羅古柏(Fyodor Sologub, 1863-1927)，在這首歌曲裡，充分展現拉赫瑪尼諾夫擅長的鋼琴技法，彷彿勾勒了如夢似幻的情境，不只浪漫，還讓人神往。
第六首來自俄國詩人巴爾蒙特(Konstantin Balmont, 1867-1942)的《唉》(Ay!)，如果直接翻譯，這是個發語詞，但是從它的別稱《尋求》來看，或許更容易讓人理解意思，其中敘述男子等待、苦尋愛人芳蹤的心情。拉赫瑪尼諾夫讓鋼琴與歌聲巧妙結合，雖著詩詞意境帶出起伏的戲劇情緒，很能引起共鳴。
2025.05.31（六）19:30 國家兩廳院 演奏廳
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莫札特：E小調鋼琴與小提琴奏鳴曲，作品304
在莫札特眾多類型作品裡，如果和他的歌劇、交響曲、協奏曲、弦樂四重奏、鋼琴獨奏曲等相較之下，他為鋼琴和小提琴合奏所做的奏鳴曲或許不是那麼亮眼，但是在莫札特的創作生涯裡，這些作品卻佔有不可或缺的重要性，它們多少反映了創作當時的莫札特的心境。 大致上來說，莫札特的音樂總是洋溢著青春活力，即便是第一次聆聽，都能感受到正向能量，僅有極少數的例子–例如完成於1778年的《E小調鋼琴與小提琴奏鳴曲》–透露出陰暗色彩。在創作期間，莫札特正旅居巴黎，原本他在母親陪同之下來到此地希望謀得工作，但不料事與願違，甚至遭逢母親意外病逝，接連挫折之下的心情，在快板的第一樂章開始由鋼琴和小提琴共同呈現的第一主題，就明白地展現出來；之後的樂章發展偶爾有明亮的旋律(第二主題)，但也只是曇花一現，整體仍籠罩在感傷的氣氛裡。除了音樂性格的迥異之外，在樂章架構上，這部作品不同於傳統的快-慢-快三樂章形式，莫札特僅使用了兩個樂章。第二樂章標示為「小步舞曲速度(Tempo di Menuetto)」，相對於前一個樂章，不只速度緩慢了下來，而且還兼具「以舞曲結束樂曲」的傳統，只不過莫札特採用小調(minor)包裝，卻不像傳統小步舞曲的優雅與悠閒。樂章一開始由鋼琴彈奏的旋律，雖然晶瑩剔透，但是仔細咀嚼，卻流露著淡淡的感傷色彩，這樣的情緒在小提琴加入之後更加明顯。樂曲中段轉為甜美的大調(major)，彷彿撥雲見日的明朗，隨後又轉回樂章開頭的氛圍，結尾則是以稍微激昂的情緒，為整部作品畫下句點。
史博：六首德文歌曲，作品103
德國作曲家史博(Louis Spohr, 1784-1859)在世期間以小提琴家、作曲家、指揮家而聞名，或許在今天並不是很多人熟知他的名字和作品，但是他的音樂卻有引人入勝的魅力。史博在1837年為女高音、單簧管、鋼琴所做的《六首歌曲，作品103》，被視為他在藝術歌曲領域的極致傑作。除了傳統的鋼琴編制之外，史博還加入單簧管助陣，不論是音樂情境烘托，或是獨當一面，都有精彩亮點。
第一首歌曲《冷靜吧，我的心》出自德國詩人史懷哲(Carl Friedrich Ernst Georg von Schweitzer, 1797-1847)，樂曲開頭的單簧管吹奏瞬間凝聚了濃厚的戲劇張力，歌詞則是展現了歷經人生波折的詩人對於生命的感慨，即便他期待希望帶來一絲光彩和歡樂，但終究這只是一廂情願的想法，「冷靜吧，我的心」…
第二首《二重唱》取材自德國詩人兼畫家萊尼克(Robert Reinick, 1805-1852)，歌詞敘述在某個寧靜的五月夜晚裡，小鳥在丁香樹枝頭歌唱，少女坐在樹下，時而傾聽，時而唱和，小鳥歌頌著春天的陽光，少女則是唱著愛情的嚮往。史博驅使著單簧管奏出鳥兒啁啾般的啼聲，鋼琴波動般的旋律像是徐徐晚風，女高音的歌聲則是唱出平靜、安詳。
第三首《渴望》，出自德國詩人兼劇作家蓋貝爾(Emanuel Geibel, 1815-1884)，原作表達了渴望突破現實生活的桎梏，但事與願違，「世界多麼地廣闊，日子卻是這麼地侷促，然而時間卻不等人……我如何到達我所嚮往的異域國度！」一開場由單簧管吹出寬廣的音域，彷彿拉開了視野，隨後引出鋼琴烘托的熱切歌聲，乍聽之下似乎悠閒，但仔細咀嚼，卻有著淡淡的悵然！
第四首引用了法勒斯雷本(August Heinrich Hoffmann von Fallersleben, 1798-1874)的《搖籃曲》，單簧管的吹奏，搭配溫柔的歌聲與琴音，就像是媽媽溫暖的呵護。相較之下，根據寇赫(Ernst Koch, 1808-1858)詩篇所作的第五首歌曲《秘密的歌》，單簧管的前奏營造了感傷氣氛，似乎隱藏在內心的苦痛難以言喻，但歌曲後半情緒一轉，詩人期待愛情能撫慰一切傷痛，明亮的音色展現了渴望的心情。
最後一首歌曲《醒來吧》，原詩作者不詳，但標題卻相當吸引人。「愛情已經甦醒，你為何還呆呆地站在那裡，陷入沉思？」在鋼琴的三拍子輕快節奏烘托下，單簧管奏出歡愉的前奏，隨後和女高音的互動，時而像是二重唱，時而裝飾著亮麗的歌聲。
布列頓：在這島上，作品11
西元十八世紀之前，英國的音樂創作風潮還曾經盛極一時，尤其在文藝復興時期以降，不論是世俗歌曲(當時稱為「牧歌」)、宗教音樂、器樂作品、甚至歌劇，都在音樂史上佔有一席之地。但是在十八世紀初，來自德國的韓德爾(George Federic Handel,1685-1759)成功打進英國樂界之後，從此英國的音樂創作主流市場拱手讓給外來作曲家，直到十九世紀末、二十世紀初才有所改觀。以二十世紀來說，最具代表性的英國作曲家就是布列頓(Benjamin Britten, 1913-1976)。布列頓一生創作多元，尤其他對詩詞文學具有高敏銳度，他留下的歌曲作品就可以印證這一點。1937年，他以英國詩人奧登(Wystan Hugh Auden, 1907-1973)的詩篇為題材，寫下了《在這島上》歌曲集，其中包括五首歌曲，各有韻味：
第一首《讓華美的音樂頌讚！》(Let the florid music praise!)，開場華麗的鋼琴琶音，加上花腔裝飾的聲樂演唱，讓人聯想到十八世紀的巴洛克氛圍。歌曲後半轉為音樂情緒較為黯淡的「西西里舞曲」風味，形成強烈對比。
第二首《如今樹葉急速凋落》(Now the leaves are falling fast)，鋼琴前奏帶著點迷惘，隨後以規律節奏引領歌聲上場。乍聽之下，音樂似乎充滿了抖擻精神，但是搭上奧登的詩篇之後，也許你會覺得有點…毛骨悚然！這段詩篇展現的是對於二十世紀初動盪局勢的不安心境，死亡的氛圍則是呼應了戰爭帶來的殘酷。
第三首《海景》(Seascape)，這首歌曲彷彿帶著我們透過想像力和聽覺，一覽變化萬千的海景。隨著奧登的詩篇敘述，鋼琴與歌聲時而表現出海風吹拂、水波蕩漾，時而描述了船隻搖曳的情景。最後一句歌詞「整個夏天在水中漫步」則是巧妙地點出了愜意的海邊悠閒時光。
第四首《夜曲》(Nocturne)，在奧登的筆下，把無形的時間轉移，藉著特定的人事物描述給具體化了。在鋼琴沉穩、規律的烘托之下，歌聲唱出了寂靜、神秘的氛圍，布列頓結合詩篇與音樂，帶著我們進入虛虛實實的情境裡，「看見」時間的流動…...
最後的《就這樣，足夠了》(As it is, plenty)是一首爵士風味的歌曲，以旁觀角度帶著我們看人生、工作、愛情、慾望，不論是奧登的詩篇或是布列頓的音樂，多少有那麼點警世意味，只不過是以俏皮手法呈現。
拉赫瑪尼諾夫：無言歌，作品第34號，第14首
俄國作曲家拉赫瑪尼諾夫(Sergei Rachmaninov, 1873-1943)的音樂風格，在國際間樂評界向來有「兩極化」的評價，有人讚賞他不世出的才華，但也有人認為他的作品瀰漫著「多愁善感」的個人色彩，這會許是在二十世紀中期之後，有不少電影曾經採用他的音樂作為配樂，因此有些學院派的學者和樂評家把拉赫瑪尼諾夫歸類為「通俗煽情」的二流作曲家。其實，不論學術界與樂評界抱持什麼樣的觀點，拉赫瑪尼諾夫的音樂創作，在今天的確獲得了大多數愛樂者與演奏家們的喜愛，只要我們從當今世界各地音樂會的曲目安排、還有唱片錄音版本的數量來看，就足以證明這位俄國作曲家的受歡迎程度。
一般人對於這位作曲家的認識大多是來自他的鋼琴作品，事實上他在聲樂作品方面也留下不少創作，最膾炙人口的，竟然是來自一首沒有歌詞的歌曲，那就是他的《無言歌》(Vocalise)。正確地來說，這首歌曲的原本名稱叫做《聲樂練習曲》，選自他在1912年創作的一組歌曲集《浪漫曲》(Romances)作品編號34，其中包括十四首歌曲，最後一首最特別，從頭到尾沒有一句歌詞，只是由演唱者以母音「A」來歌唱，也因為整首歌曲沒有歌詞，所以也被稱為《無言歌》，其中考驗了獨唱者對於呼吸與音樂線條的掌握能力。
除了原本的女高音演唱版本之外，作曲家也曾經親自改編為管弦樂演奏版本，之後還陸續有不同樂器的演奏版，包括小提琴、大提琴、低音提琴、長笛、單簧管、法國號、鋼琴、豎琴、以及合唱團、甚至假聲男高音的演唱等。不論是以哪種樂器來呈現，相同的是：甜美、抒情、撫慰人心的旋律。在這場音樂會裡，透過小提琴與鋼琴的合奏，您絕對會有深刻體會！
拉赫瑪尼諾夫：六首羅曼史，作品38
這是拉赫瑪尼諾夫為聲樂所做的最後一套歌曲集，創作於1916年。之所以會冠上「羅曼史」(或稱「浪漫曲」)的標題，則是十九世紀以來俄羅斯歌曲的通稱。第一首來自亞美尼亞詩人伊薩基揚(Avetik Isaakian, 1875-1957)的《夜裡，在我的花園裡》，主角是一棵柳樹，詩人以「擬人化」手法描述柳樹低垂的枝條在夜晚的花園裡獨自悲泣，直到猶如溫柔少女的黎明來臨時，將會以細柔長髮抹去柳枝上的淚珠。短短兩分鐘的歌曲裡，拉赫瑪尼諾夫以鋼琴前奏帶出憂傷氣氛，中間雖然出現短暫的激昂情緒，最後還是在綿綿不斷的感傷情緒中結束。
第二首出自俄國作家貝利(Andrei Belïy, 1880-1934)的《給她》，在傍晚時分孤獨思念愛人的苦澀心情表達得淋漓盡致。拉赫瑪尼諾夫典型的多愁善感性格，在這首歌曲裡有著充分發揮。
第三首《雛菊》，出自俄國詩人瑟維里亞寧(Igor Severyanin, 1887-1941)，藉著遍地如白色絲綢般的雛菊，表達了對姑娘的熱愛之情。拉赫瑪尼諾夫以晶瑩剔透般的鋼琴烘托著歌聲，營造了浪漫憧憬的氛圍。
第四首來自俄國詩人布流索夫(Valery Bryusov, 1873-1924)的《花衣服的吹笛手》，這是這套作品裡最俏皮的歌曲，拉赫瑪尼諾夫藉著輕盈躍動的鋼琴彈奏、加上愉悅的歌聲，敘述一位吹笛人沿著河畔，踏著輕快步伐，前去和心愛的女孩相會。
第五首《夢》，取材自俄國詩人索羅古柏(Fyodor Sologub, 1863-1927)，在這首歌曲裡，充分展現拉赫瑪尼諾夫擅長的鋼琴技法，彷彿勾勒了如夢似幻的情境，不只浪漫，還讓人神往。
第六首來自俄國詩人巴爾蒙特(Konstantin Balmont, 1867-1942)的《唉》(Ay!)，如果直接翻譯，這是個發語詞，但是從它的別稱《尋求》來看，或許更容易讓人理解意思，其中敘述男子等待、苦尋愛人芳蹤的心情。拉赫瑪尼諾夫讓鋼琴與歌聲巧妙結合，雖著詩詞意境帶出起伏的戲劇情緒，很能引起共鳴。
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2025.05.08（四）19:30 臺中國家歌劇院 小劇場2025.05.31（六）19:30 國家兩廳院 演奏廳
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