原訂今年暑假期間於華山1914文創園區展出來自2016年熱門《單位展》的日本企劃團隊21_21 DESIGN SIGHT策畫的《AUDIO ARCHITECTURE：聲音的建築展》，（上方大圖）因為疫情關係，日前展延至年底成為2020年壓軸展覽。尚未開展前就已造成矚目與期待的年度大展，網路宣傳轉貼也從暑假期間持續不斷的被報導與分享。本次策展總監為日本世界級互動設計師中村勇吾（YugoNakamura）擔任，以日常的素材取材，用獨自觀點再重組再現。讓觀眾們走進由聲音所建築而成的空間之中，體驗和感受藝術與聲音科技之間的美好。

視覺藝術與科學技術緊密的關係，歷史也相當悠久。了解此展覽前，可以用歷史的演進來窺看沿路的軌跡與脈絡。從近代西洋繪畫時期中科學的存在逐漸發展出現，運用光學機器的技術開始進行繪畫創作的手法也開始誕生。科學史與藝術史雙方立場也議論紛紛。而最適合先介紹的代表藝術家—大衛・霍克尼（David Hockney），非他莫屬。

視覺藝術與科學技術之間

拋開傳統藝術的教條、解開框架的方法，運用新媒材及新思維詮釋生活與藝術的藝術家代表，並被譽為20世紀英國最有影響力的藝術家之一的大衛·霍克尼是一位偉大的畫家，同時他也以攝影而聞名。 1937年生於英國布拉德福德。早期在學校中於平面繪畫領域探索時的臨摹練習、反應社會現象的印刷版畫，在移居美國加州後運用拍立得紀錄生活記憶，創造的影像拼貼遊戲、錄像與近期利用數位影像和iPad進行的風景畫創作。

1967年，他購買了第一台35毫米蛇腹相機，並將其用作繪畫的輔助，開始使用攝影。1970年代開始從事攝影工作，創作照片拼貼畫，整個職業生涯中都從畢卡索那裡汲取了靈感，於1982年起，霍克尼開始思考立體主義與空間的關係。他嘗試以拍立得相機實驗不同角度拍攝，人物與物件皆被拉進繪畫創作中。

霍克尼試圖克服固定相機視角有限的障礙。由於單張照片通常只能顯示一小段視角，通常是一小段時間，因此他嘗試發明他的“連接器”概念，即拍攝一個主題的拍立得照片，並將它們排列成網格狀，實際上“連接器”概念是偶然發生的。他在六十年代後期注意到攝影師正在使用帶有廣角鏡的相機拍照。他不喜歡這樣的照片，因為它們總是有些失真。他正在洛杉磯的客廳和露台上繪畫。他為了拍立得拍攝了客廳的照片，然後將它們粘合在一起，而不是想讓它們自己構成。在看完最後的構圖後，他意識到它創造了一種敘事，就像觀眾在房間裡移動一樣。在發現這一發現後，他開始從事攝影工作，甚至停止繪畫一段時間以專門追求這種新的攝影風格。然而他使用了常規的35毫米打印品來製作照片拼貼畫，從一系列單獨拍攝的細節中整理出“完整的”圖片。因此打造以共144張影像組合而成以類魚眼的拍攝效果創作出遠近視角和拼貼疊影，看似馬賽克般的影像作品〈Billy and Audrey Wilde〉及63張照片所排列拼貼的〈Still Life Blue Guitar〉創造人類與影像藝術間的視覺遊戲。

霍克尼以平面繪畫和電腦數碼影像重新詮釋19世紀藝術風格的風景畫系列，創作讓大自然中的植物成為肖像畫的主角，畫面中既有當下的景象，也存在著未被人類破壞前的地貌記憶，作品穿越時間、空間，反思人之於社會，社會之於自然的關係。 運用創作作品詮釋:「創作的本意是要讓人更加的看清楚這個世界。」理念。

* 圖 空間設計師片山正通