「反覆記號」（||: 和:||）顧名思義即指示演奏者要把剛剛演過的樂段再重複一次。它從中世紀便開始使用，根據葛洛夫音樂辭典的說明，它多半出現在世俗歌曲中，要反覆幾次並不一定，需視歌詞詩文而定，文藝復興時期較少出現，但若有，第二次演唱時，同樣的旋律也會加上許多裝飾音以表現豐富的變化。值得注意的是，此時的反覆記號有像現代最常見的兩個點的樣式，但也有四個點的樣式，甚至在魯特琴（Lute，中世紀到巴洛克時期風行的彈撥樂器）樂譜上還有五個點的樣式。
「反覆」後來在巴洛克時期成為一種音樂進行的結構。「返始詠嘆調」名稱為Da Capo Aria；Da Capo指的是樂曲演到最後要「從頭開始」（圖一），結尾則終止於有Fine（義大利文的「結束」）一字處。這種返始詠嘆調讓歌手有了極大的空間可以展現技巧，因為在第二次重複時，歌手都會竭盡可能增加裝飾音與花腔技巧，同一首歌因此聽起來總會越演越烈。
* 圖一
另一種和Da Capo非常類似的反覆稱為Da Segno；Segno指的是「記號」（就像英文的sign）（可見莫札特的〈歡樂，開玩笑〉），整句即「從該記號開始反覆」，最後至Fine結束。相較於巴洛克的「返始」習慣，十八世紀古典時期的詠嘆調往往會使用D.S.來重現第一個段落，過去從頭開始的「間奏段」通常就略去不演了。
不過對一般大眾習琴者更為熟悉的反覆，應該是出現在小奏鳴曲曲集中。奏鳴曲的第一個樂章自十八世紀開始，通常都會使用所謂「奏鳴曲式」的結構，也就是包含「呈示部（展現出一或二個主題）、發展（變化主題）、再現（復述主題）」三個段落的曲式。不過雖是接連的三段落，作曲家卻常常會在「呈示部」結尾加上反覆記號，讓呈示部再被呈現一次，聽眾最後也就會聽到兩次相同的段落（有時作曲家也會設計不同結尾，讓兩次呈示部收束時略有不同，這時會用「時間括號」volta bracket來指示何者為第一次或第二次要演奏的段落）（圖二）。然而，許多人不免納悶，為什麼同樣的音樂要反覆兩次呢？研究者普遍認為，這個重複的手法，一是延續巴洛克時期的習慣，在舞曲音樂中每個段落都會重複，一是作曲家希望透過重複的方式，讓聽者更加明瞭、甚至記得呈示部發生了什麼，如此到了發展部，聽者才能理解主題出現了哪些變化。
* 圖二
最後還有一些反覆記號，較常在合奏樂團中演奏時才會看到。當後一個小節要原封不動重複前面一個小節時，作曲家可以不用重抄一次，而是加上
的記號，就能代表同樣的意思。而後面兩小節重複前面兩小節，也可使用
代表。
我記得以往在樂理課上學習反覆，課本上都會出現一種在樂譜上其實很難看到、明顯為了考試而考試的題目：一行擁有上述各種反覆記號的樂譜，然後學生要算出究竟樂曲該如何演奏？有時還順便加考若加上節拍器指示，這些小節要演奏多少時間？但回歸聽覺面向，「反覆」其實有更深刻的意義。現在在美國普林斯頓大學主持「音樂認知實驗室」的學者Elizabeth Hellmuth Margulis的觀察是：重複就像人類心智的手印。有些句子第一次聽起來只是隨意而為，但第二次出現時會聽起來是有目的的，然後雙方才得以交流。對我而言，這句話也可從另一個角度看：一旦演奏者碰到「反覆」時，必要意識到它，然後著把這樣的重複性提點出來，因為對自己而言，那是建構結構感的第一步，而對聽者而言，那也是一種邀請，讓人可以走入其中，完成更為深入的體驗。
「反覆」後來在巴洛克時期成為一種音樂進行的結構。「返始詠嘆調」名稱為Da Capo Aria；Da Capo指的是樂曲演到最後要「從頭開始」（圖一），結尾則終止於有Fine（義大利文的「結束」）一字處。這種返始詠嘆調讓歌手有了極大的空間可以展現技巧，因為在第二次重複時，歌手都會竭盡可能增加裝飾音與花腔技巧，同一首歌因此聽起來總會越演越烈。
* 圖一
另一種和Da Capo非常類似的反覆稱為Da Segno；Segno指的是「記號」（就像英文的sign）（可見莫札特的〈歡樂，開玩笑〉），整句即「從該記號開始反覆」，最後至Fine結束。相較於巴洛克的「返始」習慣，十八世紀古典時期的詠嘆調往往會使用D.S.來重現第一個段落，過去從頭開始的「間奏段」通常就略去不演了。
不過對一般大眾習琴者更為熟悉的反覆，應該是出現在小奏鳴曲曲集中。奏鳴曲的第一個樂章自十八世紀開始，通常都會使用所謂「奏鳴曲式」的結構，也就是包含「呈示部（展現出一或二個主題）、發展（變化主題）、再現（復述主題）」三個段落的曲式。不過雖是接連的三段落，作曲家卻常常會在「呈示部」結尾加上反覆記號，讓呈示部再被呈現一次，聽眾最後也就會聽到兩次相同的段落（有時作曲家也會設計不同結尾，讓兩次呈示部收束時略有不同，這時會用「時間括號」volta bracket來指示何者為第一次或第二次要演奏的段落）（圖二）。然而，許多人不免納悶，為什麼同樣的音樂要反覆兩次呢？研究者普遍認為，這個重複的手法，一是延續巴洛克時期的習慣，在舞曲音樂中每個段落都會重複，一是作曲家希望透過重複的方式，讓聽者更加明瞭、甚至記得呈示部發生了什麼，如此到了發展部，聽者才能理解主題出現了哪些變化。
* 圖二
最後還有一些反覆記號，較常在合奏樂團中演奏時才會看到。當後一個小節要原封不動重複前面一個小節時，作曲家可以不用重抄一次，而是加上
的記號，就能代表同樣的意思。而後面兩小節重複前面兩小節，也可使用 代表。
我記得以往在樂理課上學習反覆，課本上都會出現一種在樂譜上其實很難看到、明顯為了考試而考試的題目：一行擁有上述各種反覆記號的樂譜，然後學生要算出究竟樂曲該如何演奏？有時還順便加考若加上節拍器指示，這些小節要演奏多少時間？但回歸聽覺面向，「反覆」其實有更深刻的意義。現在在美國普林斯頓大學主持「音樂認知實驗室」的學者Elizabeth Hellmuth Margulis的觀察是：重複就像人類心智的手印。有些句子第一次聽起來只是隨意而為，但第二次出現時會聽起來是有目的的，然後雙方才得以交流。對我而言，這句話也可從另一個角度看：一旦演奏者碰到「反覆」時，必要意識到它，然後著把這樣的重複性提點出來，因為對自己而言，那是建構結構感的第一步，而對聽者而言，那也是一種邀請，讓人可以走入其中，完成更為深入的體驗。
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